Si hay personas que nacen con el don de la música, sin duda Zach Condon es una de ellas. Este joven originario de Nuevo México empezó a grabar sus propias canciones a los quince años y, al cumplir veintidós, ya había grabado su primer disco, mismo que grabó (sorprendentemente) en la casa de sus padres y produjo más tarde con la ayuda de Jeremy Barnes y Heather Trost.

The Gulag Orkestar (Ba Da Bing! Records, 2003) refleja lo que Condon vivió cuando, a los diecisiete años, viajó con su hermano a Europa y fue testigo del resurgimiento de la música balcánica entre la comunidad de estudiantes de París. Este álbum, tan bien recibido por el público y la crítica, llevó a Zach a dar el siguiente paso: acercarse a músicos amigos para formar la banda que respaldaría el éxito de este primer disco.

Pronto empezó a escribir y componer nuevas canciones que se incluyeron en el EP Lon Gisland (Ba Da Bing! 2007), el primer disco de Beirut como grupo musical.

Para finales de 2007 estaba listo The Flying Club Cup (Ba Da Bing! Records), disco que consolidó el sonido característico de Beirut: una armoniosa mezcla entre la música balcánica y la chanson francesa. Junto con este álbum se crea un interesante proyecto en DVD producido por Beirut, La Blogothèque y The Take Away Show: un video de cada una de las canciones que conforman The Flying Club Cup tocada en distintos lugares públicos de Brooklyn.

Los músicos que desde entonces lo acompañan en la mayoría de las presentaciones de Beirut son Perrin Cloutier (acordeón), Jason Poranski (guitarra, mandolina y ukulele), Nick Petree (batería), Kristin Ferebee (violín), Paul Collins (órgano, ukulele y pandereta), Jon Natchez (sax barítono, glockenspiel y mandolina), entre otros.

Este año, Beirut sorprendió con dos conciertos en el Lunario (su primera vez presentándose en México) y un nuevo EP doble: The March of The Zapotec/Realpeople: Holland, demostrándonos que su evolución musical es continua y que tiene una gran capacidad para absorber y traducir las influencias que marcan su vida.

El título dice mucho: la primer parte se trata de una recopilación de canciones escritas por Beirut durante un viaje a Oaxaca que fueron grabadas con la participación de la Banda Jiménez, mientras que en la segunda parte (Holland), Condon regresa al estilo de grabaciones que solía hacer en casa de sus padres (Bedroom-style recordings) utilizando su anterior sobrenombre 'Realpeople'.

La macha del zapoteca refleja la festividad, el folclore y la majestuosidad de la música de bandas oaxaqueñas (trompetas, tambores) mezclada, en algunos tracks, con la suave pero potente voz de Condon y sus hermosas letras como se puede apreciar en la canción "La llorona" (quizá inspirada en la leyenda que no en la canción) o en "The Shrew" que nos transporta directamente a un México colonial incluso cuando la letra está en inglés.

Realpeople: Holland empieza con "My Night With The Prostitute From Marseille" y el cambio es totalmente perceptible: deja atrás los metales y el acordeón (salvo por "The Concubine") para dar paso a un ritmo de beats frescos y secuencias mucho más ambiental, creando así distintas atmósferas.

Zach Condon y Beirut parecen tener un largo y exitoso camino en el mundo de la música y, seguramente, no dejarán de sorprender a todo aquel que decida acompañarlos.

María del Mar Cachón

Era enero, el décimo día del año 1938 cuando en una región de Moravia, antigua Checoslovaquia nace Josef Koudelka. Tenía 12 años cuando la fotografía hace la aparición en su vida de la mano del Sr. Dycka, panadero de oficio, fotógrafo aficionado y amigo de su padre. Fascinado por el descubrimiento, se apresura a conseguir su primera cámara. 

Tras tomar sus primeros rollos, su padre lo lleva con el panadero quien le enseña la magia del laboratorio fotográfico para así, revelar y hacer sus hojas de contactos él mismo. En esos primeros años, sus fotografías se centrarán en su entorno familiar.

Años más tarde, en 1956, se traslada a Praga para estudiar la carrera de ingeniería aeronáutica. Estando en la universidad, dedica sus ratos libres a la fotografía, que irá interesándole cada día más. Es en 1961 cuando monta su primera exposición en el Teatro Semáforo de Praga.

Concluye sus estudios y trabaja un tiempo como ingeniero; y en 1967, al hacerse miembro de La Unión de Artistas, decide dedicarse de lleno a la fotografía.

En 1968, al día siguiente de regresar a Praga de un viaje a Rumania para continuar su proyecto sobre estilo de vida de los gitanos, Rusia invade Checoslovaquia, situación que cambiaría el rumbo de la historia del país, siendo también un momento crucial para Koudelka, ya que desde ese momento, nunca volvería a ver la fotografía

 de la misma manera.

Precisamente son estas fotos las que podr

emos admirar en el  Centro Cultural Universitario Tlatelolco desde el pasado 1ro de Abril hasta el 30 de Julio

Esta muestra está compuesta por fotografías de la serie llamada “Invasión”; imágenes fuertes que nos transportan a un momento de profundos cambios sociales en el mundo entero; contrastes entre gente desarmada defendiendo su país y un ejército invasor de 200,000 soldados y 2,300 tanques, rostros de incredulidad, desesperación y enojo; calles vacías, protestas y multitudes, gente literalmente al pié del cañón.

Es una exposición impactante, de una calidad sobresaliente, donde podemos ver la sensibilidad del artista, la cual fue evolucionando tras sus primeros trabajos con los gitanos, centrándose más en la gente, sus gestos y sus emociones. 

Cuenta con una museografía que te lleva a apreciar la imagen sin distracciones, creando un ambiente de reflexión y admiración al valor de un hombre, que cámara en mano, se atrevió a estar al centro del conflicto, viéndose en la necesidad de mandar esas imágenes al extranjero de manera anónima para ser distribuidas por la agencia Magnum con el seudónimo P.P. (Prague Photographer) por el peligro a la represión, siendo premiadas con el Premio Robert Capa del Overseas Press Club. Y no fue sino hasta 16 años después de su publicación que pudo reconocer su autoría. Es en esta misma agencia donde trabaja desde entonces, con la condición de nunca tomar fotografías por encargo.

Artículo y fotografías: Enrique Campos

Hace varios años, presencié el concierto de una mujer que cantaba con pasión, como si su voz naciera de un lugar fuera de su cuerpo, con vibraciones intensas que hacían estremecer mis fibras sensibles. Pregunté quién era esta cantante con toques de gitana, sefaradí y mexicana. La respuesta fue: Jaramar.

Jaramar tiene una voz privilegiada, de eso no hay duda. Cada canción que interpreta es una oda a la entrega del artista en pos de su obra; su alcance vocal es amplísimo, lo que le permite un repertorio variado y diverso en su trabajo musical. Lo mismo puede interpretar una canción tradicional mexicana que una canción típica sefaradí.

Y es que esta cantante mexicana atraviesa las barreras temporales y geográficas, dando como resultado un proyecto musical multicultural que desarrolla su propio lenguaje a partir de una expresión artística personal que no copia a nadie, no suena a nadie, ésa es la mejor característica de su estilo: Jaramar suena a Jaramar.

El año pasado, Jaramar lanzó su más reciente producción musical titulada “Diluvio”. Al respecto de este material, la propia artista dice: “Todo esto es Diluvio. Cantos de amor y de ausencia, de añoranza por lo que se ha derrumbado, de gozo por lo que tenemos y que tal vez no permanecerá, de valor y arrojo porque hay que luchar por ese espacio de luz que, aunque fugaz, está ahí para que lo hagamos nuestro. La vida y la muerte abrazadas”. 


“Diluvio”, décimo disco de Jaramar, se conforma por trece canciones que incluyen temas tradicionales oaxaqueños y sefaradíes, pero también piezas de su propia composición. Como en cada producción, cuenta con la participación de músicos de primer nivel como Jaime López, Fausto Palma, Luis Javier Ochoa, entre otros.

Lo invito a escuchar algunas canciones de esta gran artista en su página web www.jaramar.com.mx

¡Que lo disfrute!

Catherina Fantini

Los pensadores y literatos no pueden aportarme absolutamente nada y los científicos todo, incluso la inmortalidad del alma.

Salvador Dalí 

Se puede decir que la vida de Salvador Dalí despierta tanta curiosidad como su obra. Entre hechos y leyendas urbanas se ha ido tejiendo una red, casi mística, alrededor de la figura de este genio.

Movidos, quizá, por esa atracción hacia Dalí, Joan Ubeda (productor), Susi Marquès (director), Eli Pons (guionista) y Mònica Lòpez (documentación), se dieron a la tarea de filmar un documental que explora una de las esferas poco conocidas de este artista: La estrecha relación entre su obra y la ciencia.

Dimensión Dalí es un documental fascinante que nos adentra al mundo de Salvador Dalí; un mundo en el que fue capaz de traducir descubrimientos científicos al lenguaje surrealista de su obra artística, como lo muestra en La persistencia de la memoria (pintura también conocida como Los relojes blandos) relacionada con Einstein y su teoría de la relatividad, o en la analogía entre Freud y su interpretación de los sueños con el movimiento surrealista mostrada en El gran masturbador o Las acomodaciones de los deseos.

En este galardonado documental, se permite al espectador descubrir al Dalí ávido de conocimiento, al Dalí investigador y lector voraz de textos científicos, pensador analítico, hombre fascinado con los átomos y el ADN; así como entender su relación con la comunidad científica que lo veía, no como un artista excéntrico sumido en su arte, sino como un verdadero traductor de los avances y descubrimientos que hubo en esa época y, como un hombre capaz de comprender sus preceptos y debatir con ellos sobre las mismas bases.

María del Mar Cachón

La era atómica moderna es muy alegre. No hay nada tan alegre como la colisión y la explosión de los conflictos intra-atómicos de la física nuclear.

Salvador Dalí

DIMENSIÓN DALÍ es una producción de Media 3.14 (Grupo Mediapro) en cooproducción
con Televisió de Catalunya, Fundació Gala-Salvador Dalí , Institut Ramon Llull y AVRO (Holanda); en colaboración con YLE (Finlandia), RTBF (Bélgica), TVE Temáticos (España) con el apoyo del Programa MEDIA Plus de la Unión Europea y el Institut Català de les Indústries Culturals (ICIC).

Cuando escucho el nombre de Adanowksy recuerdo esos nombres que nos inventábamos cuando éramos niños; esos nombres que aparecen en los cuentos, siempre ligados a seres fantásticos provenientes de otras dimensiones y que, ahora sin diferencia alguna, volvemos a encontrar ligado a otro ser que parece salido de la fantasía… Éste es Adanowsky. Un extraño personaje mexicano, francés, chileno y ruso que empieza a hacerse notar en el ambiente musical iberoamericano, luego del éxito obtenido en Europa.

Pareciera que la música ha cavado su propia tumba, cuando surgen de entre las tinieblas músicos, o mejor dicho artistas, que nos devuelven a los años dorados de la música y de la vida humana, donde lo más importante es experimentar y divertirse gozando en el escenario.

En días recientes, tengo la impresión de que el mundo ha madurado hacia una catástrofe inevitable; sin embargo, en el fondo no hemos dejado de ser niños y, es precisamente eso, lo que nos permite sobrevivir aquí. Este retorno a la infancia, en buena parte se lo debemos a esos artistas que nos permiten seguir siendo pequeños; así, Adanowsky nos permite regresar en el tiempo, no sólo con sus sonidos y voz cargados de estilos melancólicos salidos de la historia musical, sino también con su imagen y postura irreverente ante el mundo en el plano exterior.
Si nos adentramos al interior de su música, encontramos una atmósfera metafísica/surrealista, al más puro estilo de su padre Alejandro Jodorowsky y de los poetas malditos, haciéndonos recordar que en esencia todos tenemos algo de estos.

Así, bienvenido sea este disco que lleva por título El ídolo y con el cual Adanowsky se lanza al mercado latinoamericano, desprendiéndose varios sencillos como “El ídolo”, “Estoy mal” y “No”, entre otras canciones que empiezan a sonar duro en las colecciones musicales de los melómanos.

Germán Domínguez